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La fortaleza será una de las características cruciales de Sansón. De todos es conocida su potencia física cuyo secreto escondía en su cabello. En las luchas contra los filisteos era invencible hasta que su secreto fue descubierto por Dalila, quien le cortó el cabello para ser cegado después por sus enemigos. Recuperado, consiguió obtener su potencia física e incluso la superó en sus últimas hazañas, convirtiéndose en una prefiguración de la resurrección de Cristo.

Este violentísimo cuadro basa su efectismo no sólo en el acusado movimiento de los personajes sino también en el atrevido uso de la luz. Este tipo de composiciones muestra el estilo juvenil del Guercino, que se inició dentro de las tendencias caravaggiescas para más tarde evolucionar hacia posturas más clásicas, dentro de la corriente idealista del Barroco italiano. El lienzo muestra el momento en que Sansón es atrapado por sus enemigos, los filisteos, gracias a la intervención de Dalila, su amante, que le ha convencido para cortarse el cabello, de donde sacaba su fuerza. Sorprendidos al amanecer en el lecho, Sansón no puede más que forcejear en vano, mientras Dalila contribuye simbólicamente al prendimiento. Toda la acción se estructura en violentas diagonales opuestas en su sentido. Sansón se enfrenta solo, con su poderosa espalda, al grupo de soldados que se le viene encima. Todos parecen a punto de caer. Dalila y Sansón oponen sus posturas igualmente, incluso las piernas del héroe se disparan cada una hacia un lado. El efecto es centrífugo, de grandes masas que se repelen. Pero el efecto no sería tan completo si no fuera por el dramatismo que presenta la luz. En la estela del caravaggismo, un foco artificial penetra desde la izquierda y destaca tan sólo algunas partes, dejando las otras en penumbra.

Rembrandt va a realizar en esta década de 1630 una serie de obras religiosas, además de los retratos que le van a dar fama y dinero. En estas escenas religiosas va a acentuar al dramatismo y la violencia, interesándose por el movimiento y los escorzos, como ocurre en este caso o en El Sacrificio de Isaac. Sansón era un israelita dotado de una gran fuerza sobrenatural. Se casó en dos ocasiones con mujeres filisteas, pueblo que era claro enemigo de los suyos. La segunda de ellas, Dalila, descubrió el secreto donde residía la fuerza de Sansón: en su cabello. Así que no dudó en cortárselo, momento que fue aprovechado por los filisteos para cegar y encadenar a Sansón. Este es el instante elegido por el artista para reflejar en la obra, viendo a Sansón iluminado por la luz al ser la figura principal, tumbado en el suelo por un filisteo, momento éste que aprovechan los otros para encadenarle y cegarle. Al fondo, Dalila se marcha con la cabellera en la mano izquierda y las tijeras en la derecha. La violencia de la escena está ratificada por el gesto de dolor de Sansón y por el rostro desencajado del filisteo de la derecha. La luz vuelve a ser la principal protagonista de la composición ya que procedente de la izquierda, ilumina a Sansón de lleno mientras que en los filisteos que le rodean solamente resbala por sus cascos y sus armaduras. Lo mismo ocurre con Dalila. Este uso especial de la luz la aprendió Rembrandt de los caravaggistas de Utrecht, quienes extendieron el tenebrismo por el norte de Europa. Interesa también destacar la especial atención dedicada por el artista a los detalles, tanto de las armaduras como de las telas.

La historia de Sansón será utilizada por Rembrandt en varias ocasiones durante sus primeros años. Sansón cegado por los filisteos parece la escena posterior a ésta que aquí contemplamos. Casado con la filistea Dalila, Sansón le abrió su corazón para contarle el secreto de su fuerza y fue apresado por sus enemigos. El momento recogido por el maestro nos muestra a Dalila con su marido dormido en su regazo, llamando a los filisteos para que cortasen la cabellera, su estimado secreto. Un filisteo sale de las cortinas con unas tijeras en la mano mientras un soldado espera el desenlace. Dalila gira su cabeza para mirar al hombre que rapará a Sansón, creando un atractivo escorzo.Las luces empleadas por Rembrandt refuerzan la tensión del momento al iluminar parcialmente al israelita, impactando el foco sobre su espalda. El contraste entre luces y sombras creado está inspirado en Caravaggio, al igual que el naturalismo de los personajes. Una importante aportación de Rembrandt será la expresividad de las figuras, demostrando su capacidad como retratista. Al disponer los personajes en diferentes planos crea la sensación de profundidad, cerrando el espacio con una pared al fondo donde se recortan las figuras. Sus trajes y armas están perfectamente detallados, destacando las sedas del vestido de Dalila, especialmente el encaje de su escote.

Frente a la ordinariez de los modelos presentados por Caravaggio y los seguidores del naturalismo tenebrista, los pintores del idealismo, entre ellos Guido Reni, plantean una pintura amanerada, llena de tópicos del clasicismo y la pintura de un siglo atrás. La evolución de estos modelos desemboca en una interpretación rebuscada, como este Sansón que parece la estrella del ballet en su cuadro final. Las telas revolotean alrededor de su cuerpo desnudo con total irrealidad, todo lo contrario al arte de Caravaggio que se gozaba en lo cotidiano por repulsivo que pudiera resultar. Sansón bebe el agua que ha quedado atrapada en la quijada del asno, el pie sobre los cadáveres de todos sus enemigos vencidos, cuyos cuerpos cubren el paisaje hasta el horizonte. A pesar de la evidente idealización el rostro de Sansón nos recuerda el de un modelo real, un personaje de esa Roma del XVII que frecuentó Guido Reni. Respecto al extraño formato curvilíneo del cuadro, tan sólo apuntaremos que se debe a la función original del lienzo, que era la de cubrir una campana de chimenea.

Un incendio producido el 5 de diciembre de 1808 en el Palacio del Buen Retiro de Madrid acabó con el lienzo de Sansón y Dalila pintado por Ribera, que decoraba el Salón de Cristales. Sólo nos ha quedado el dibujo preparatorio final que aquí contemplamos, realizado con gran precisión. Ribera emplea una técnica minuciosa y detallista, con un trazo firme y seguro, realizando las sombras con toques de sanguina y lápiz negro difuminado. La expresividad que se alcanza sitúa la obra a la altura de los grandes lienzos, dotando a las figuras de naturalismo, interesándose por los escorzos y creando un momento de tensión a través de las luces. El resultado es una muestra más de la creatividad del maestro valenciano.

Una vez finalizado su primer encargo oficial, la Adoración de los magos que hoy conserva el Museo del Prado pero destinada al Salón de los Estados del Ayuntamiento de Amberes, Rubens pintó una obra maestra de luminosidad y color sensual para su amigo y cliente Nicolas Rockox, alcalde de Amberes, que la instaló sobre la chimenea del salón de su casa, ocupando un lugar de honor en su colección de pintura. Difícilmente sería posible imaginar una mejor combinación de los estilos flamenco- e italiano que la que podemos encontrar en esta obra que hoy conserva la National Gallery de Londres.Rubens se ha inspirado en el texto bíblico (Jueces, 16) y en la Vulgata, mostrándonos a Sansón dormido en el regazo de Dalila. Conocedora de que la fuerza del héroe reside en su cabellera, Dalila ha llamado a un barbero para que corte "los siete bucles de su cabeza" mientras que en el exterior los filisteos se preparan para capturar al héroe desarmado. La escena está iluminada por cuatro puntos de luz: un brasero en el extremo izquierdo, una vela sostenida por la anciana, una lámpara de aceite bajo la estatua del fondo y la antorcha sostenida por el soldado filisteo en la puerta. Un quinto foco de luz sería la monumental figura de Sansón, modelado de manera escultural y monumental, tomando como referencia las estatuas clásicas y las obras de Miguel Angel.La claroscuro empleado por Rubens es una clara referencia al estilo de Caravaggio, con el que debió coincidir en Roma, a pesar de no estar documentado. También podríamos encontrar una referencia al pintor alemán Adam Elsheimer en las muestras de intimidad -las telas, las referencias antiguas- que contrastan con el dramatismo contenido del momento.Los especialistas dudan sobre qué representa la figura de Dalila; mientras para algunos sería la imagen de la simpatía otros sólo ven en ella a un "profesional". La pasividad del personaje en este caso inspira indiferencia e incluso hastío, sosteniendo entre su regazo al héroe dormido. En contraste con el carácter erótico de la escena, Sansón es considerado como una prefiguración de Cristo, planteamiento que aquí refuerza el pintor al dotar a la composición de la fuerza de una Piedad. El resultado es una obra de gran calado en la que se han unido de manera espectacular los estilos flamenco e italiano para resultar una fórmula de trabajo totalmente personal, que difícilmente será superada.

La atracción por la Antigüedad clásica llevará a Mantegna a realizar una serie de obras que parecen auténticos relieves romanos, mostrando una vez más el maestro su afición hacia la escultura y su interés por los volúmenes y la perspectiva. Las figuras de Sansón y Dalila aparecen en primer plano, dotadas de una monumentalidad soberbia, acentuada por los pliegues de sus vestidos y su disposición espacial. El árbol con las uvas y la fuente de la izquierda ofrecen un efecto naturalista a la escena, que parece eliminar el sentido religioso, contrarrestado por las tonalidades del fondo que acentúan el dramatismo de la composición, creando un efecto de atardecer de gran belleza.

La carrera de Rubens como ilustrador de páginas iniciales de libros no tiene precedente en la historia. Ningún artista de su envergadura realizó una producción en la que demostró tanta inventiva y una acertada utilización de la alegoría. Su fructífera colaboración con el impresor Balthasar Moretus, amigo de la infancia, duraría más de treinta años, demostrando el amor por los libros y la erudición manifestado siempre por el pintor.En los últimos diez años de su vida, enzarzado en importantes encargos decorativos como la Torre de la Parada, Rubens concibe una de las mejores muestras en el género de la ilustración: las "Poemata" de Maffeo Barberini, el nombre del papa reinante Urbano VIII.Las primera publicación de las "Poemata" se realizó en 1620, cuando Barberini era cardenal. Al ser nombrado pontífice, tres años más tarde, sus versos fueron reeditados. En 1634 Moretus los publicó en Amberes, siendo Rubens el encargado de la ilustración. Emplea un héroe del Antiguo Testamento, Sansón, en el momento de su lucha con el león (Jueces, 14; 5-8). Las tres abejas que encontramos sobre la cabeza del animal constituyen el emblema de la familia Barberini. Además, en uno de los poemas Urbano VIII también utilizaba la alegoría de Sansón y el león, mostrando la victoria del alma (las abejas) que escapan del cuerpo muerto (el león).La escena está cargada de tensión, dinamismo y violencia, como corresponde al estilo del maestro flamenco, interesándose por las anatomías para lo que toma como referencia a Miguel Angel.

Se educa en el arte de la escultura de la mano de Pollaiolo. De sus primeros trabajos queda constancia en Florencia en la Iglesia del Santo Spirito. A finales del siglo XV se traslada a Coimbra (Portugal) y trabaja en la Puerta Engañosa de la Catedral. También en la localidad portuguesa de Tomar realiza la iglesia de la Concepción. De regreso a su país natal, ejecuta la pila bautismal para la catedral de Volterra. De su trabajo como escultor también deja huella en el baptisterio de Florencia, donde esculpe un grupo de figuras, y en Roma, al encargarse de los sepulcros de los Sforza y del de Basso della Rovere en Santa María del Popolo, entre otras obras. Como arquitecto recibe la influencia de Bramante y Rafael.