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Ingresa en el Colegio-Universidad de San Antonio Portaceli de Sigüenza y se gradúa como bachiller en Artes. Completa sus estudios en el Seminario conciliar segontino y la Universidad de Zaragoza. En esta última se licenció en leyes y cánones y luego impartió clases durante algún tiempo. Desde la década de los años ochenta se dedicó plenamente a la abogacía. En estos años desarrolló algunas actividades literarias como la traducción de "La Religión" de Louis Racine y de "Las oraciones y cartas del Padre de la Elocuencia Isócrates", además de escribir "Desengaño de malos traductores". Ministro del crimen y oidor de la Audiencia de Aragón, en la última década del siglo XVIII, gozó de gran prestigio y perteneció a varias sociedades. En 1808 se trasladó a Bayona con Azanza y fue uno de los que intervinieron en la Junta de Bayona. Junto con José I y Urquijo ratificó la que sería conocida como Constitución de Bayona. Con José I fue consejero de Estado y Hacienda. Tras la caída del hermano de Napoleón, Ranz declaró su apoyo a Fernando VII y se le restituyo en el Consejo de Regencia. Intervino en la redacción de la Constitución de Cádiz y desde 1812 encabezó la cartera de Hacienda. Abandonó su puesto de consejero en 1814. Un artículo publicado en el Diario Mercantil de Cádiz se refiere a él como un "ladrón de bienes públicos". En los últimos años de su vida tradujo "Vidas paralelas" de Plutarco, sin renunciar en ningún momento a su actividad política.

Los especialistas consideran que en esta obra Cézanne recogió un asunto mitológico, concretamente el rapto de Perséfone por parte de Hades. Perséfone era un bella muchacha hija de Zeus y Demeter. Hades, el dios de los Infiernos, se enamoró de la joven y la raptó mientras cogía flores en compañía de unas ninfas. El momento elegido por el pintor está cargado de tensión ya que el dios lleva el cuerpo desmayado de la muchacha, destacando los músculos de su broncíneo cuerpo, especialmente la espalda arqueada hacia atrás debido al peso. Perséfone por el contrario se presenta con una tonalidad blanquecina que recuerda a la figura de la Virgen María en la Piedad clásica. La escena se desarrolla en un paisaje boscoso que tiene como fondo la montaña Sainte-Victoire, uno de los lugares emblemáticos en la producción del maestro de Aix. Las tonalidades oscuras dominan la composición, resaltando con mayor intensidad los cuerpos desnudos de los protagonistas así como las dos figuras que aparecen al fondo -¿las ninfas que recogían flores con Perséfone?-. El color es aplicado de manera rápida y empastada, utilizando tanto el pincel como la espátula, apreciándose los vibrantes toques como si se tratara de facetas, fórmula que será más tarde empleada por el propio Cézanne y que se extenderá a los cubistas. Las figuras recuerdan a los maestros clásicos que tanto admiraba Cézanne en sus frecuentes visitas al Louvre, especialmente Delacroix. El propio Cézanne escribió a su amigo el joven pintor Camoin: "Couture decía a sus alumnos: id al Louvre. Ahora bien, una vez vistos los grandes maestros que allí reposan hay que apresurarse a abandonarlo para vivificar, en contacto con la naturaleza, los instintos y las sensaciones de arte que en nosotros residen". El lienzo fue pintado para Zola, compartiendo ambos el interés por la literatura clásica.

Hacia 1635, Rubens recibe uno de sus más importantes encargos. Felipe IV había ordenado remodelar un viejo pabellón de caza que había en el monte de El Pardo conocido como la Torre de la Parada. Rubens sería el encargado de decorar las tres plantas de esta nueva construcción, mas, debido a la grandeza del encargo, tuvo que contar con sus ayudantes Paul de Vos, Peter Snayers y Frans Snyders. Velázquez también realizó varias obras para este lugar.Los episodios mitológicos pintados por el maestro están inspirados en la "Metamorfosis" de Ovidio, aunque sin ninguna intención alegórica, más bien representando las pasiones e impulsos de los dioses del Olimpo. El Rapto de Deidamia es una de las escenas más violentas, en la que los escorzos son más pronunciados. Representa el momento en el que uno de los centauros intenta raptar a la bella Deidamia, justo en el banquete posterior a su boda. Teseo sujeta a la joven para evitar el secuestro, otros invitados saltan sobre la mesa para ayudar al héroe y la madre de la novia la sujeta desde el suelo, creando un fortísimo escorzo. La violencia del momento provoca la caída de la vajilla al suelo, las banquetas o los manteles. Las expresiones de los rostros reflejan perfectamente el miedo, la sorpresa y la tensión que se vive en la escena. Las figuras se sitúan en primer plano, olvidándose el maestro del fondo, dando la impresión de ser un altorrelieve clásico por el increíble volumen que se obtiene. Las luces son empleadas de tal manera que elevan la inmensa tensión del momento. Resulta curioso el contraste entre la piel de Deidamia, más blanquecina según el gusto de la época, y la de los hombres, tostada por el sol. Las figuras del fondo, más desdibujadas, huyen. La contemplación de esta obra en el Museo del Prado resulta verdaderamente sobrecogedora.

Europa, hija del rey de Sidón, era una bella muchacha que gustaba de correr los floridos prados cercanos al mar acompañada de sus nobles sirvientas. Júpiter tuvo la oportunidad de contemplarla por lo que, enamorado de la atractiva joven, decidió raptarla tomando la forma de un espectacular toro blanco. Europa y sus compañeras no sintieron temor ante la llegada del animal, e incluso la princesa decidió subir a lomos de aquel atractivo bóvido para seguir sus juegos. El toro dio un brinco y se lanzó corriendo hacia el mar, seguido de una procesión de seres marinos encabezada por Poseidón. Júpiter depositó a Europa en Creta, donde contrajeron matrimonio, naciendo de esa unión numerosos hijos. Veronés utiliza esta bella historia mitológica para decorar la Sala dell´Antecollegio del Palacio Ducal de Venecia, eligiendo temáticas míticas relacionadas con la Serenísima República. El maestro ha empleado un recurso medieval al mostrar en el mismo lienzo los diversos episodios de la historia: así, en primer plano Europa sube al toro rodeada de sus bellas compañeras mientras varios amorcillos arrojan flores; en segundo plano Europa, montada en Júpiter, se dirige al mar mientras, al fondo, la joven y el toro se disponen a recorrer el camino que separaba Sidón de Creta. Todo el episodio tiene lugar en un paisaje, destacando las ricas y coloristas telas de las jóvenes, que muestran indirectamente el lujo de la aristocracia veneciana. Las muchachas ocultan sus bellos cuerpos bajo elegantes vestidos, de pronunciados escotes que permiten contemplar uno de los pechos de Europa. Las figuras están escorzadas, en una sensación de movimiento que parece preludiar al Barroco. Pero lo más significativo del lienzo es el sensacional colorido y el estudio de la luz, en contrastes que acentúan la intensidad de la historia. La perspectiva está perfectamente creada a través de la sucesión de planos paralelos que se alejan en profundidad, utilizando como punto de fuga a los amorcillos y el momento de la partida.

Cuando Rubens llega a Madrid en el año 1628 para concertar la paz entre España e Inglaterra, tuvo la oportunidad de contemplar la espléndida colección de obras de Tiziano que había en la capital española. A partir de ese momento, el gran maestro de la escuela veneciana influirá enormemente en el arte de Rubens. Así realizó el Rapto de Europa como homenaje al veneciano, copiando la obra encargada por Felipe II de tal modo que no se permitió concesiones personales al imitar la factura y el color. Júpiter se enamoró profundamente de la bella Europa, joven princesa tiria. Se transformó en un toro blanco para raptar a la muchacha, llevándola a Creta, donde la desposó. La figura escorzada de Europa, sujetándose a un cuerno del toro y sus vestidos ondeando al viento mientras se aleja de la costa es una de las imágenes más bellas del artista.Según Pacheco, el suegro de Velázquez, Rubens copió todos los cuadros de Tiziano que había en la colección real.

Europa era la bella hija de Agenor y Telefasa, reyes de Tiro. Zeus se prendó de su belleza cuando Europa paseaba con sus compañeras por la playa por lo que el dios decidió metamorfosearse en toro, el animal favorito de la joven. Europa se acercó al toro y comenzó a acariciar al animal hasta que se montó en su lomo. En ese momento Zeus se levantó y se lanzó hacia el mar. Para evitar la caída, la joven se aferró a los cuernos y el animal se aleja de la orilla hasta llegar a Creta. Será en Gortina donde Zeus se una a Europa junto a una fuente, naciendo de esta relación tres hijos: Minos, Sarpedón y Radamantis. Zeus la casó después con Asterión, rey de Creta y a su muerte recibió honores divinos.Tiziano pintó el rapto de Europa dentro de la serie de "poesías" encargada por Felipe II. Era la compañera de Perseo y Andrómeda, sustituyendo a la historia de Jasón y Medea. La violencia del rapto ha sido remarcada por el maestro al situar al toro y a la joven en primer plano, en una postura forzada, creando una acentuada diagonal definida por la sensual y bella figura de Europa. Los amorcillos que acompañan a Zeus refuerzan el movimiento del conjunto al igual que las telas al viento que permiten contemplar parte del cuerpo de la muchacha. Al fondo podemos apreciar el paisaje de la costa donde las compañeras de Europa observan con inquietud el rapto, gritando y realizando gestos ostentosos. El momento de tensión y dramatismo que se está viviendo ha sido interpretado de manera espectacular por el maestro veneciano, verdadero especialista en este tipo de trabajos, intensificándolo con la tormenta que se prepara tras las montañas.La luz y el color se convierten en los verdaderos protagonistas de la composición. Una luz dorada baña la escena, acentuando contrastes entre zonas de luz y sombra, al tiempo que se crea una perfecta sensación atmosférica. Los colores son bastante limitados, aplicándolos con fluidez y rapidez, consiguiendo efectos de abocetamiento, especialmente en el fondo. Vasari describía de esta manera la forma de trabajar de Tiziano: "pinta a través de toques, aparentemente largos brochazos, siguiendo un estilo de manchas que si bien no puede ser contemplado de cerca, es necesario alejarse para ver la obra en su perfección". Cuando Rubens contempló esta obra en Madrid realizó una excelente copia que se guarda en el Prado.

Ganímedes era un bello joven -considerado el más bello de los mortales- que guardaba los rebaños de su padre en las montañas cercanas a Troya. Su belleza llamó la atención a Zeus que no dudó en raptarlo, convirtiéndose en águila. Fue trasladado al Olimpo donde serviría de copero, escanciando el néctar en la copa de Zeus, función en la que reemplazaría a Hebe, la diosa de la juventud. A pesar del contenido homosexual de la historia, los comentaristas cristianos convirtieron el rapto de Ganímedes en una alegoría del rapto del alma humana por parte de Dios y de su ascensión al reino de los Cielos.En lugar de interesarse por el dramático y violento momento del rapto, en esta composición Rubens nos muestra la entrega de la copa por parte de Hebe, un episodio que no formaba parte de la iconografía habitual en la historia. El águila con sus alas expandidas y sirviendo como asiento al propio Ganímedes se convierte en el principal protagonista de la escena, apreciándose al fondo un festín olímpico al que será conducido el joven copero.Rubens reinterpreta en esta escena uno de los plafones del techo del Palacio Farnesio pintado por Annibale Carracci, tomando como fuente para la figura de Ganímedes el Laoconte, grupo escultórico helenístico encontrado en el Renacimiento. También podría haber buscado inspiración en las apoteosis de los emperadores romanos. Las circunstancias en las que el pintor flamenco ejecutó esta tela son desconocidas. Recientemente se ha lanzado la hipótesis que plantea la obra como un homenaje ante la muerte prematura de su hermano Philip, en 1611. La referencia heráldica del águila sugiere que podría tratarse de un encargo para la corte de los archiduques Alberto e Isabel Clara Eugenia, gobernadores de los Países Bajos.Veinticinco años después, Rubens pintó para la Torre de la Parada una versión diferente de este tema, ahora sí cargada de dramatismo, intensidad y violencia, las características que definen su pintura.