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El tema de la mujer fue el gran tema de Artemisia. El realismo que había aprendido de Caravaggio y de su padre, Orazio, no entró nunca en contradicción con el espíritu idealista que le llevó a recuperar la imagen de una mujer inteligente, independiente y capaz de realizar actos con repercusión en la historia y la política. Se suele atribuir sus imágenes más violentas, en las que la mujer sale vencedora de los hombres, a su pasado, en el que fue violada cuando era una adolescente. Pero la compleja imaginería que Artemisia trazó alrededor de una mujer fuerte y creativa va mucho más allá de aquella experiencia temprana. Sus mujeres son siempre símbolo de la inteligencia y el mayor exponente de este carácter es Minerva, Atenea en griego, la diosa de la inteligencia, la sabiduría y la guerra. Artemisia la retrata bajo el aspecto de una princesa, de facciones dulces y brazos poderosos. Sus mujeres tienden a repetir este modelo humano rotundo, señorial, como de "maggiorata". La diosa aparece con sus atributos, la lanza, cuya punta no podemos ver, el laurel con el que coronaba a los vencedores y el escudo con la cabeza de Medusa. En la rodela del escudo podemos ver la firma de la pintora, sobre la que simbólicamente se apoya la diosa.

Identificada con Atenea Palas en la mitología griega, esta deidad romana representa la sabiduría y la vida intelectual. Es hija de Júpiter y Metis. La lanza, el escudo y el casco, son sus principales atributos. En ocasiones se la representa con una lechuza o un búho.

Destinada al Atrio Cuadrado del Palacio Ducal de Venecia -junto a las Tres Gracias y Mercurio; Ariadna, Venus y Baco; y La fragua de Vulcano- esta alegoría fue realizada por Tintoretto por encargo del dux Girolamo Priuli, y se piensa que el programa iconográfico es una representación de las Cuatro Estaciones. Minerva, diosa de la sabiduría y las artes, aleja a Marte, dios de la guerra, en presencia de la Paz y la Abundancia. La imagen representa una alusión simbólica al buen gobierno del dux que aleja la guerra de sus territorios y consigue que afloren la paz, la abundancia y la prosperidad para su pueblo. Minerva preside la composición, creando Jacopo una figura escorzada cuyos vestidos permiten contemplar su anatomía. Marte se presenta como un caballero de la época, cubierto con armadura y portando una lanza; su volumen recuerda el arte de Miguel Ángel mientras que las dos figuras alegóricas desnudas están en sintonía con las Tres Gracias, mostrando sus cuerpos nacarados, que anticipan la mujer característica de la pintura de Rubens. Estos cuerpos contrastan con los brillos metálicos de las armaduras, resaltando las luces que resbalan por los dinámicos cuerpos de los personajes. Un fondo que parece de la ciudad de Venecia completa la escena, en una sensación atmosférica que diluye los contornos, reforzando el estilo rápido y abocetado del maestro.

Se conservan más de cincuenta estudios pintados por Rubens para la Torre de la Parada, el pabellón de caza de Felipe IV en el monte de El Pardo, en las cercanías de Madrid. Cada una de las pinturas que formaban parte del encargo tuvieron su boceto preparatorio, la mayoría de ellos ejecutado en dos meses, entre noviembre y diciembre de 1636. Posteriormente, y contando con una importante colaboración del taller, estos bocetos serían trasladados a los definitivos lienzos que fueron enviados por barco a España en 1638.La historia de Aracné es una de las más impactantes de la serie, inspirada como sus compañeros en la "Metamorfosis" de Ovidio. Aracné era una joven que despuntaba en el tejido, considerando que sus trabajos eran más bellos que los de la propia Minerva (Atenea), la tejedora del Olimpo. Enterada Minerva de la opinión de Aracné, desafió a la joven, aceptando ésta el reto. Las dos tejedoras se colocaron una frente a otra y comenzaron su labor. Minerva ejecutó un maravilloso tapiz pero el de Aracné no se quedaba a la zaga. Esto encolerizó a la diosa que rasgo el tapiz de su rival y golpeó la cabeza de Aracné. La humillación sufrida por la joven tejedora hizo que se ahorcara. Arrepentida, Minerva convirtió a Aracné en araña para que pudiera tejer toda su vida.Rubens nos presenta el momento de la agresión, con la joven caída siendo golpeada con saña por la diosa, vestida con su habitual armadura y casco. En el fondo contemplamos a dos tejedoras, una de ellas mirando la agresión mientras la otra se afana en su trabajo. En la zona de la derecha se muestra el tapiz tejido por Aracné, donde se puede apreciar la reproducción del Rapto de Europa de Tiziano. El momento de tensión y violencia es captado en toda su dureza por los pinceles del maestro flamenco, todo un especialista a la hora de dotar de dinamismo sus obras gracias a los escorzos, las diagonales y la carga expresiva de sus composiciones, convirtiéndose en el máximo exponente del Barroco. La Caída de Faetón es otro de los bocetos de la serie.

Tras su regreso de Roma, donde trabaja en la Capilla Sixtina, Botticelli realizará una serie de escenas mitológicas entre las que destacan el Nacimiento de Venus, Venus y Marte o esta imagen de Minerva y el centauro. En todas ellas el maestro parece hacer una interpretación de las ideas neoplatónicas introducidas en la Corte de los Médici por Marsilio Ficino y Picco della Mirandola, dos grandes humanistas que unieron las ideas platónicas con el pensamiento cristiano. De esta manera, Botticelli se convierte en un humanista más, interesado por los debates que se realizaban en la Florencia del Quattrocento. Esta tabla acompañaba a la Primavera en la decoración de una sala del palacio de Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, formando un conjunto de increíble belleza plástica. La figura de Minerva - diosa de la sabiduría - se presenta vestida con un traje semitransparente adornado con tres anillos entrelazados que forman el escudo de los Médici; porta una alabarda y diversas ramas de olivo - símbolo de la paz - rodean su cabello y su cuerpo. Junto a ella vemos al centauro que gira su cabeza hacia la diosa con gesto de dolor, llevando en su mano derecha un arco y el carcaj en la espalda. La cornisa de un edificio cierra la composición por la izquierda mientras al fondo se aprecia un amplio paisaje marino y una supuesta valla formada por estacas puntiagudas. Al aparecer la diosa con la alabarda - arma empleada en exclusiva por los centinelas - y agarrar por el cabello al centauro, se puede deducir que nos encontramos ante una detención por lo que se sugiere que Botticelli ha representado el triunfo de la castidad sobre el vicio. Las figuras están dotadas de monumentalidad gracias al empleo de la luz, pero exhiben cierto hieratismo, careciendo de movimiento. La perspectiva está perfectamente captada, uniendo referencias arquitectónicas y paisaje. La delicadeza de las telas y la minuciosidad de los detalles indican el aprendizaje del artista como orfebre durante su juventud.

Objetos de terracota o madera, recubiertos con una capa brillante para imitar los bronces y lacas. Presentes en todas las dinastías chinas, formaban parte del ajuar funerario y servían para satisfacer las necesidades del difunto.

La calidad de la miniatura anglosajona sobrevivirá a la invasión normanda, y los tradicionales talleres insulares conservarán una vitalidad tal que será a partir de su propia experiencia de donde surja, al contacto con obras importadas del continente, la renovación románica de la pintura inglesa. Las miniaturas creadas en San Agustín de Canterbury durante el primer cuarto del XII responden todavía a un arte inercial, de tradición local, tal como podemos apreciar en las ilustraciones de los "Evangelios de la Pierpont Morgan". Lo mismo podríamos decir de la "Ciudad de Dios", conservada en la Biblioteca Laurenciana, que ha sido pintada con el típico dibujo de líneas coloreadas. Entre 1121 y 1123 se pinta en San Albano un salterio, en la actualidad conservado en la iglesia de Saint-Godehard de Hildesheim, para una religiosa llamada Cristina. El conjunto de sus imágenes es considerable: cuarenta ilustraciones a toda página y más de doscientas once iniciales historiadas. Este amplio repertorio iconográfico es una síntesis de series anteriores, tanto insulares como continentales, que los dos talleres que han realizado la obra han sabido fundir en un salterio cuya configuración plástica responde ya a una estética románica. Sus figuras realizadas a gran tamaño muestran unas formas monumentales, conseguida su modelación mediante el empleo de luces y sombras. El gran artista de la miniatura románica insular será el maestro Hugo, quien, en San Edmundo de Bury, ilustrará, a partir de 1135, una gran biblia que recibirá el nombre de su lugar de origen. Si por sus series icónicas se ha señalado una posible dependencia del grupo italiano de biblias gigantes, es evidente que el léxico ornamental denuncia una plena integración en la corriente miniaturesca tradicional inglesa. El maestro Hugo, formado en un ambiente pictórico italobizantino, dota a sus figuras de unas formas estilizadas, en las que las vestiduras se pegan a los cuerpos marcando unas esbeltas anatomías. La conocida "Biblia Lambeth" es obra de un discípulo, realizada en San Agustín de Canterbury a mediados del XII. Las alargadas figuras de la ilustración del árbol de Jessé son una buena prueba de la influencia del estilo de Hugo. Sus refinadas y esbeltas formas se hacen sentir en un número considerable de obras continentales. En los años finales del XII se inicia en Winchester la composición de una Biblia que quedará sin concluir. Un folio conservado en la Pierpont Morgan representando escenas de la vida de Samuel y David en el recto y verso respectivamente parece que fue proyectado como frontispicio del "Libro de los Reyes" de esta "Biblia Winchester", aunque un cambio de plan evitó su inclusión. El autor de esta composición, conocido como Maestro de la "Hoja Morgan", introduce en el taller que compuso la biblia una ruptura con el arte continuista relacionado con el maestro Hugo y el autor de la "Biblia Lambeth", imponiendo un estilo clásico de un claro naturalismo expresivo muy influenciado por el arte bizantino. Se han relacionado con este pintor dos conjuntos murales: la capilla del Santo Sepulcro, en la catedral de Winchester, y la sala capitular del monasterio de Sigena (los restos conservados en el Museo de Arte de Cataluña).

La miniatura es genéricamente la pintura de pequeñísimo formato. Sin embargo, se le atribuyen características particulares desde sus orígenes. Se trabajó la miniatura desde el Imperio Antiguo en Egipto, así como en Grecia y Roma, asociada con frecuencia a técnicas de gran valor como la orfebrería, la talla en marfil o la talla de gemas. La edad dorada de la miniatura fue la Edad Media. De hecho, la palabra miniatura se asocia también con la pintura "miniada", puesto que el minio fue uno de los pigmentos base para la confección de delicadísimas escenas e iniciales historiadas en los códices que se copiaban a mano en los scriptorium de los monasterios y escuelas catedralicias. La miniatura medieval tenía relación estética con la vidriera. Eran extremadamente coloristas, con silueteado lineal que según la escuela podía alcanzar hondos niveles de virtuosismo. Otro nombre por el que se conocía este trabajo era la iluminación de manuscritos, puesto que sus imágenes iluminaban los textos, no siempre accesibles para una población mayoritariamente analfabeta.Sus escenas constituían una vía de plasmación de lo fantástico y lo monstruoso, puesto que se reservaba a los márgenes de los manuscritos los temas eróticos, cotidianos, mitológicos, profanos a veces rozando lo blasfemo. Paralelamente, la miniatura puede encontrarse en los manuscritos islámicos de Al Andalus, India, Persia, etc.La miniatura evolucionó a lo largo de la historia adaptando pigmentos variados como el óleo o la acuarela, sobre soportes preciosos, como el cobre, el marfil, el esmalte, etc.La llegada de la fotografía en el siglo XIX marca su declive.