Busqueda de contenidos

Alonso Cano pintó esta obra en su última etapa y muestra en ella cómo había avanzado su estilo, simplificando las figuras, con nuevas gamas de color más vivo y contrastado, y añadiendo una gran monumentalidad a los personajes y las arquitecturas que les sirven de fondo. La Visitación forma parte de una serie de lienzos que el artista realizó por encargo de la catedral de Granada. La serie está dedicada a la vida de la Virgen María, concretamente a los Gozos. Los cuadros habían de colgarse en la catedral para ser contemplados desde lejos por gran número de fieles. Esta circunstancia hizo que Cano eligiera un tamaño generoso para las escenas y que redujera al máximo el número de personajes, para que de esta manera destacaran por su tamaño y singularidad facilitando a los espectadores la comprensión de la imagen.

La fundadora de la Capilla Oballe de la iglesia de San Vicente de Toledo fue doña Isabel de Oballe, por lo que se pensó incluir en la decoración "una ystoria de la uisitación de santa isabel por ser el nombre de la fundadora, para lo que se a de fixar un zírculo adornado con su cornisa a la manera que está en Illescas" (sic). Así surge esta imagen, que no fue colocada en el conjunto cuando se entregó en 1613 quizá por modificaciones que desconocemos al carecer de documentación. La obra se colocó definitivamente en la iglesia de Santa Clara de Daimiel. El diseño de la escena está planteado para observarla desde abajo, como atestigua la cornisa de la zona baja y la postura de ambas figuras. María y Santa Isabel se encuentran a la puerta de la casa de ésta última, haciendo referencia a una portada manierista, simple y monumental. A la derecha contemplamos los nubarrones que pueden presagiar el destino de los hijos de ambas: Cristo crucificado y San Juan Bautista degollado. Las figuras son enormes, envueltas en gruesos ropajes con acentuados pliegues. La luz resbala por esos mantos, sustituyendo el color azul por blanco allí donde incide con mayor fuerza, según era tradicional en la Escuela veneciana. La pincelada es muy suelta, posiblemente porque sea una imagen inconclusa, a pesar de su cargado dramatismo y de la fuerza de los gestos de ambas figuras. La Asunción acompañaría a esta escena en la Capilla Oballe, resultando un conjunto de sublime delicadeza.

La llegada a Valencia de Paolo de San Leocadio supondrá importantes novedades para los pintores de la zona entre los que encontramos al Maestro de Perea. Se mantienen algunos elementos del gótico más tradicional como la aplicación del pan de oro o los gestos de algunas figuras pero hallamos interesantes novedades como el empleo de fondos de paisaje y la concepción espacial, construida siguiendo las normas de la perspectiva geométrica. La escena está realizada de manera correcta, con las figuras de María y santa Isabel en primer plano, destacando sus elegantes ropajes que arrastran por el suelo, con unos pliegues muy forzados. San José se levanta el sombrero en segundo plano mientras que en la zona derecha observamos un palacete de clara influencia toscana, donde podemos ver a dos jóvenes. En el paisaje del fondo se desarrolla la huída a Egipto. El resultado es una obra con una buena muestra de elementos italianos a pesar de continuar con rasgos flamencos como el brillante colorido.

Festividad cristiana que se celebra el 2 de junio y recuerda la visita de la Virgen María a su prima Isabel. Este término también se emplea en las inspecciones escolásticas que realizan los obispos cuando visitan su diócesis.

Antes de establecer su residencia en Valladolid, vivió en Salamanca. En 1814 se presenta a un concurso convocado para la ejecución de la portada de la Universidad de Valladolid. Su proyecto resultó elegido y un año después comenzaría a trabajar en este proyecto. Fray Pedro de la Visitación dividió la fachada en dos cuerpos. De la decoración escultórica se hizo cargo la familia Tomé, formada por Antonio y sus hijos Narciso y Diego. Arquitectura y escultura se dan la mano en esta obra, que representa uno de los mejores ejemplos del Barroco español.

La creación de los museos durante el siglo XIX modifica por completo el arte y la cultura al existir una importante popularización de estas superficies. Los cuadros y las estatuas pasan de ser propiedad de las casas reales, los nobles o la Iglesia a ser propiedad estatal, pudiendo ser contemplados por todo el mundo. Degas transmite este concepto cuando muestra a dos jóvenes burguesas que acuden a un museo para disfrutar de su tiempo de ocio. La pintora Mary Cassatt es la dama que aparece de pie, escuchando atentamente la lectura de la joven sentada, posiblemente su hermana Lydia. Mary posó para Degas en numerosas ocasiones, empleando estos dibujos en un buen número de escenas. Al fondo se observan los cuadros, simplemente esbozados por la rápida factura del pintor, que se aprecia no sólo en las telas sino en toda la composición, excepto en el rostro de Mary. En él podemos contemplar un cierto gesto de hastío, un tanto aburrida por la larga visita al Louvre. Los tonos oscuros se adueñan de la escena debido a la austeridad de los trajes femeninos; amarillos, azules y rojos completan la nómina de colores, sin olvidar el blanco de las páginas de la guía que sostiene Lydia en sus manos. El recurso de levantar el plano del suelo será muy frecuente en la pintura de Degas - el retrato de Diego Martelli, por ejemplo - dando así un mayor efecto de profundidad.