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La Serpiente de Metal es una de las obras juveniles de Van Dyck realizada en el taller de Rubens, siendo una de las imágenes más rubenianas aunque existan muchas cuestiones personales como los modelos empleados, el sentimiento trágico o la pincelada, más larga que la del maestro. El asunto de la Serpiente de Metal se considera siempre como una prefiguración de la crucifixión de Cristo; vemos a Moisés, a la izquierda de la composición, levantando el tronco con la serpiente de metal que tenía poderes curativos contra las picaduras de serpiente; junto a él se sitúa el Azar, mientras que a la derecha está la gente que suplica la curación, destacando sus gestos de dolor y desesperación. Una de las figuras más interesantes es la mujer arrodillada, ya que se concentra en ella la expresión más intensa de fe. También es destacable el escorzo del hombre que se arrodilla a los pies de Moisés. Las figuras están en primerísimo plano, como si se tratara de un friso clásico, destacando su anatomía, inspirada en Miguel Ángel.

En la obra de Klimt apenas aparecen hombres y cuando se muestran están amenazados por todas partes, siendo dominados por la mujer, la verdadera protagonista de sus imágenes. Incluso algunas muestran escenas lésbicas como ésta que contemplamos, vinculadas al mundo acuático como las Serpientes acuáticas II o Agua en movimiento. Bien es cierto que este tipo de composiciones lésbicas no son una novedad ya que Courbet y Toulouse-Lautrec las habían captado en sus trabajos. Klimt nos muestra a la mujer como un objeto sexual, incluso cuando representa escenas lésbicas como ésta. "Son las fantasías del hombre, no las de la mujer, las que se excitan con estas exhibiciones" (S. Partsch).El pintor vienés utiliza el tema del abrazo en numerosas ocasiones -El Beso, La satisfacción o el Friso Beethoven- pero sólo en este caso estamos ante dos mujeres, resaltando la sinuosidad de sus figuras y de sus cabellos, elementos habituales entre los artistas del modernismo. El decorativismo se adueña de la escena -ojos, algas, círculos, dorados, etc.-, tendencia hacia la que evolucionará el estilo de Klimt en sus años finales, convirtiendo algunas composiciones en estampas caleidoscópicas como La virgen o El bebé.

En los años finales del siglo XIX se produce una reinterpretación del papel de los sexos, produciéndose una fuerte revalorización de lo femenino denominada "autofeminización" que indica "la aceptación de la femineidad por parte del hombre" en palabras de Sylvia Eiblmayr. Esto provocaría que la imagen masculina desapareciera de la pintura para ser monopolizada por la figura femenina. Entre los artistas que lideran esta "autofeminización" encontramos a Klimt como figura destacada, al mostrar el "mundo con forma de mujer". Según Carl E. Schorske se trata de la "revuelta de Edipo".Un excelente ejemplo de esta espinosa cuestión filosófica sería el lienzo que contemplamos, protagonizado por mujeres entrelazadas en un mundo lésbico. Klimt no aporta ninguna novedad en el tema del lesbianismo que ya había sido tratado por otros artistas anteriormente, como Courbet y Toulouse-Lautrec, pero ahora nos encontramos con mayores dosis de simbolismo y decorativismo características del modernismo. Así los cabellos de las mujeres se entrelazan con las algas marinas y las florecillas, acentuando la sensualidad de sus bellos y estilizados cuerpos. El pintor vienés recurre a los mosaicos bizantinos como fuente para la apariencia decorativa que envuelve la composición, sintiéndose atraído por las composiciones que decoran las paredes de las iglesias de Ravena. Ese bizantinismo también se manifiesta en los colores e incluso en la ausencia de perspectiva, tendiendo a la bidimensionalidad. El resultado es una obra cargada de erotismo en la que las líneas curvas dominan, apreciándose la facilidad para el dibujo demostrada por el maestro a lo largo de toda su carrera.

Obtuvo el doctorado en Derecho por la Universidad de Palma. Desde 1759 comienza a trabajar para el Ayuntamiento como Cronista General. Mantuvo una estrecha relación con personajes de la talla de Enrique Flórez y Martín Sarmiento, entre otros. Ayudo a Vargas Ponce en la realización de "Descripciones de las Islas Pithiusas y Baleares". En 1772 ingresó en la Academia de la Historia, por recomendación del conde de Campomanes. Realizó un estudio sobre la "Historia Natural y Marítima del Mallorca" y tradujo "Glorias de Mallorca". Fue miembro fundador de la Sociedad Económica y Amigos el País. Organizó tertulias en su casa y fue el propietario de una importante biblioteca. En 1784 entró en la Academia de Nobles y Bellas Artes de San Carlos de Valencia. De sus escritos hay que destacar "Descripción histórica y geográfica del Reyno de Mallorca" e "Historia Natural del Reino de Mallorca".

Nacido en Mallorca en 1713, Miguel Serra y Ferrer tomó los hábitos franciscanos en 1730, siendo destinado a las misiones de Sierra Gorda en Querétaro (México) en 1749. Veinte años más tarde marchó con Gaspar de Portolá a misionar por la Alta California, fundando las misiones de San Diego (1769), San Francisco (1776) y San Gabriel (Los Ángeles, 1781). Su política colonizadora y misional agrupaba a los indios en pueblos cercanos a la misión, enseñándoles además de la doctrina católica ocupaciones como agricultura, ganadería y oficios. Fomentó la realización de matrimonios mixtos entre colonos blancos e indígenas

Cursa estudios de arte en Marsella y luego se traslada a Roma. En la Ciudad Eterna contempló las obras de los grandes maestros. Tras un periodo de tiempo, regresó a Marsella y se estableció allí. La mayor parte de su producción pictórica quedó en esta ciudad, donde adquirió un notable prestigio y amasó una gran riqueza. Gastó la mayor parte del dinero que había ganado en ayudar a los necesitados de la peste que azotó Marsella en 1721. Testimonio de este tiempo es su obra sobre la Peste de Marsella. Perteneció a la Academia de París y trabajó para el monarca francés Luis XV. Uno de sus cuadros más notables fue San Pedro Mártir.

Se educa bajo las pautas de Ramón Destorrents. Activo entre 1357 y 1408, adopta los rasgos renacentistas de Ferrer y Arnau Bassa. Finalmente acabaría dirigiendo el taller, donde trabajaba con sus hermanos Francesc, Jaume y Joan. Es autor del retablo de la seo de Manresa, destinado inicialmente a la Seu d'Urgell, y de la obra que realizó para el monasterio de Sant Cugat del Vallès, dedicada a Todos los Santos. En estas representaciones se aprecia su dominio en el tratamiento de los colores y las formas estilizadas de las figuras.

Los Serra forman una próspera familia de pintores catalanes que trabajaron intensamente en los años finales del Gótico Español. Crearon un próspero taller desde 1363, año en el que trabajan juntos, despuntando Pere y Jaume. Su estilo se caracteriza por el empleo de dorados, el interés por la expresividad de las figuras y por la utilización de un rico y suave colorido. Dicho taller tendría su localización en Barcelona, dominando toda la zona catalano-aragonesa hasta la implantación del estilo internacional de la mano de Lluis Borrasá.