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La influencia de Ingres es significativa en este dibujo a la mina de plomo que serviría como estudio preparatorio para el retrato de Achille De Gas que hoy se encuentra en la National Gallery de Washington. Degas muestra sus altas dotes como dibujante que mantendrá a lo largo de toda su vida. En similares términos encontramos el estudio para el retrato de su hermana Thérèse.

Cézanne y Achille Emperaire se conocerán en la escuela primaria de Aix-en Provence. Entre ambos surgió una intensa amistad que se continuó en el tiempo. Gracias a esa amistad tenemos este espléndido retrato. Achille era paralítico y también se dedicó a la pintura, compartiendo con Cézanne la ausencia de éxito y el deseo de explorar nuevos caminos artísticos. El modelo aparece sentado en un sillón blanco con un estampado de flores -el mismo empleado en el retrato del Padre del artista- de frente al espectador, girando su cabeza hacia la derecha. Sus delgadas piernas se apoyan en una caja y las manos deformes se dejan caer sobre los brazos del sillón. Sin embargo, no estamos ante un retrato caricaturesco, antes lo contrario, ya que gracias a la pose y la inteligencia de la mirada la figura de Achille se dignifica, captando la personalidad del pintor, relacionándose con los retratos de bufones pintados por Velázquez. Incluso para aumentar la dignidad del modelo se coloca en la parte superior el nombre y su profesión en letras de molde, recordando el retrato de Napoleón como emperador pintado por Ingres en 1806. Las tonalidades oscuras dominan el conjunto, creando acentuados contrastes con el tapizado del sillón o la carnación del modelo. El óleo ha sido aplicado con intensidad, empleando la espátula y el pincel, dotando así de mayor fuerza a la imagen. Este retrato será muy admirado por los simbolistas, utilizándolo el propio Gauguin como modelo. También servirá de ejemplo a Matisse. Cézanne presentó este trabajo al Salón de París de 1870, junto con una figura femenina desnuda que no se ha conservado. Ambas obras fueron rechazadas, aludiendo a ellas en una caricatura publicada en el satírico "Album Stock".

Para la ejecución de este luneto Miguel Ángel empleó cuatro jornadas: una para la cartela sobre la cornisa, otra para el grupo de la derecha y dos para el grupo de la derecha. Los datos bíblicos sobre Achim y Eliud son bastante escasos considerándose que serían las dos figuras que encontramos en la izquierda presentadas como un anciano recostado y un niño. En la derecha aparecería la madre de Eliud dando de comer a un hijo menor. Las posturas de las figuras adquieren un significativo movimiento, manifestando acentuados escorzos que anticipan el Manierismo, destacando su potencia escultórica al acentuar su anatomía bajo los paños plegados. La fuerza del rostro del anciano indica la capacidad de Buonarroti para transmitir expresiones en sus obras, no limitándose a ofrecer un excelente dibujo y un atractivo colorido. El deseo de romper el marco arquitectónico se pone de manifiesto al proyectar el pie del anciano hacia el espectador y los paños donde se sienta la mujer. Este luneto se ubica en la pared derecha de la capilla respecto del altar, entre Jacob-Joseph y Zorobabel-Abiud-Eliachim.

<p><br>Henchir Botria, ubicada a 45 km al norte de la ciudad de Sfax, fue establecida en el siglo IV a.C. por colonos de la isla fenicia de Malta, según la información proporcionada por Stéphane de Bizancio. Este extenso yacimiento, que abarca más de 200 hectáreas, corresponde a la antigua Acholla.</p><p>La ciudad tiene sus raíces en la cultura púnica, como se evidencia por la presencia de una moneda con inscripciones en púnico, que presenta la imagen de la cabeza del dios Baal Hamon adornada con una tiara de plumas. Además, se ha identificado un santuario costero posiblemente dedicado a este dios, donde se encontraron estelas con el símbolo de Tanit y cerámicas que contenían restos óseos. Este hallazgo confirma el origen púnico de la ciudad.</p>

Espuela.

Desde sus comienzos como pintor, Poussin se distinguió como dibujante del resto de los autores de la época en Francia. Poussin se caracterizaba por una mayor luminosidad y una ausencia total de procedimientos manieristas, como era habitual en aquellos años en Francia. Se muestra, pues, independiente respecto a su época. Se mostraba profundamente tradicionalista respecto a los modelos de la Roma antigua y el Renacimiento italiano. En Italia, precisamente, el dibujo era considerado parte esencial de la formación de cualquier pintor, y raros eran los pintores que, como Caravaggio, desdeñaban la disciplina. Poussin, que se formaba en la época en que realizó este dibujo en los cursos de dibujo con modelo vivo organizados por el Domenichino y por Sacchi, tenía en alta estima los dibujos preparatorios y los estudios que realizaba. Éste, de la época de su lienzo Acis y Galatea, no se corresponde exactamente con el lienzo. En él, se muestran claramente delimitados y limpios los contornos, realzados por algunas zonas a la aguada diestramente repartidas. A diferencia de otros autores, como el Domenichino, Sacchi o Carracci, que solían trabajar al carboncillo o la sanguina, en estudios parciales sobre rostros o vestimentas, Poussin producía este tipo de dibujos a la pluma, en escenas terminadas, elaboradas con cuidado.

Se trata de un tema recurrente en la obra de Poussin. Acis, el pastor, y la nereida Galatea son amantes, ante la desesperación del cíclope Polifemo, quien desea a la nereida. Podemos verlo tras los amantes, a la derecha, tocando la flauta del dios Pan. En primer término, también a la derecha, tritones y nereidas gozan de sus amoríos. A pesar de contar hoy día con numerosos dibujos preparatorios sobre este asunto, es difícil encasillar éste en concreto, puesto que la composición es totalmente distinta de la que Poussin plasmará en Acis y Galatea, salvo en el lado derecho, en las figuras de la nereida y el tritón que la alza en brazos.

Aficionado por el poeta italiano Marino en sus primeros años como pintor a los temas mitológicos, Poussin evoca aquí otro pasaje de las "Metamorfosis" de Ovidio, también tratado por el Cavaliere en sus obras. De nuevo, como en tantas ocasiones, narra los amores de dos jóvenes, en este caso Acis, dios del río del mismo nombre, enamorado de la nereida Galatea, a su vez amada infructuosamente por el cíclope Polifemo. Los amantes se recortan sobre una tela roja sostenida por dos "putti" o amorcillos. Tras ellos, para distraer sus penas, el cíclope toca la flauta de Pan. A la derecha de la composición, tritones y nereidas retozan de forma voluptuosa. La obra posee los colores saturados, tormentosos de La muerte de Germánico, por lo que se puede situar hacia 1630, o poco antes. Como en el resto de su obra de los años treinta, abandona la sensualidad manifiesta, pagana, de sus primeras "poesías", para entregarse a un tratamiento lírico, melancólico. La evolución de esta concepción puede seguirse si comparamos el tratamiento del mismo tema a lo largo de veinte años, es decir, observando el Paisaje con Polifemo del Ermitage, de 1649.

En la cultura inca, término quechua que designa a la mujer elegida para servir a los Incas.